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Marta Traba, patrimonio académico de la U.N.

 
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Bogotá D. C., nov. 26 de 2013 – Agencia de Noticias UN- Este 27 de noviembre se cumplirán treinta años de la muerte de Marta Traba, “una de los cinco intelectuales más importantes del país”, en palabras del historiador Álvaro Medina. No obstante, esta es una desaparición física, pues su pensamiento sigue vivo.
Su obra es un clásico al abordar la historia del arte latinoamericano de la segunda mitad del siglo XX. “Las teorías de Marta Traba son importantes para mirar el arte de la región como una realidad compleja, con situaciones muy distintas dependiendo del país y en la que no cabían modelos únicos”, resalta Ivonne Pini, profesora de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Colombia.
Por todo ello, la primera sesión del ciclo de conferencias “Patrimonio académico de la U.N.” busca rendirle homenaje al vasto legado de quien fue la primera directora nacional de Divulgación Cultural de la Institución.
Un papel brillante
En la biografía Marta Traba. La terquedad furibunda (2003), la historiadora Victoria Verlichak descubrió que ella nació el 25 de enero de 1923 y menciona como prueba el registro de inscripción que hizo su padre a 16 kilómetros de Buenos Aires.
Estudió filosofía y letras en Argentina e historia del arte en Francia. En Europa conoció al periodista colombiano Alberto Zalamea, quien se convertiría en su primer esposo y la traería al país en el año 1954.
Ella coincidió con el surgimiento de una nueva generación de artistas –entre los que figuraban Alejandro Obregón, Guillermo Wiedemann, Eduardo Ramírez Villamizar, Édgar Negret y Fernando Botero–, que la conservadora y provinciana sociedad colombiana de la época veía con desconfianza.
“Es ahí donde ella cumple un papel brillante”, asegura Medina. Se refiere a que ella se encargó de explicar la razón de ser de esas obras, a través de su labor crítica semanal en diferentes medios de comunicación.
Traba conquistó Bogotá con su crítica inteligente, rigurosa y radical, al punto de convertirse en un elemento central de la escena cultural de la época. En los años sesenta, fue ella quien estimuló la irrupción de una nueva generación de artistas y designó como sus miembros más talentosos a Luis Caballero, Carlos Rojas, Santiago Cárdenas, Pedro Alcántara Herrán y Beatriz González.
En esa misma década pone en funcionamiento el Museo de Arte Moderno de Bogotá, que tuvo su primera sede en la U.N. No es casualidad, pues la Universidad fue uno de los principales frentes por donde entró la modernidad.
Pero tras rechazar la ocupación militar de la Universidad en 1968, fue censurada y finalmente obligada a abandonar el país. Esto la llevó por Montevideo, Caracas, San Juan de Puerto Rico, Washington, Barcelona y París.
Su periplo por el mundo terminó en 1983, cuando se disponía a volver a Colombia invitada por el presidente Belisario Betancourt al Primer Encuentro de la Cultura Hispanoamericana en Bogotá. El avión en el que viajaba se estrelló saliendo de Madrid, España.
UNAL-682-2013

UNAL26112013-2Bogotá D. C., nov. 26 de 2013 – Agencia de Noticias UN- Este 27 de noviembre se cumplirán treinta años de la muerte de Marta Traba, “una de los cinco intelectuales más importantes del país”, en palabras del historiador Álvaro Medina. No obstante, esta es una desaparición física, pues su pensamiento sigue vivo.

Su obra es un clásico al abordar la historia del arte latinoamericano de la segunda mitad del siglo XX. “Las teorías de Marta Traba son importantes para mirar el arte de la región como una realidad compleja, con situaciones muy distintas dependiendo del país y en la que no cabían modelos únicos”, resalta Ivonne Pini, profesora de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Colombia.

Por todo ello, la primera sesión del ciclo de conferencias “Patrimonio académico de la U.N.” busca rendirle homenaje al vasto legado de quien fue la primera directora nacional de Divulgación Cultural de la Institución.

Un papel brillante

En la biografía Marta Traba. La terquedad furibunda (2003), la historiadora Victoria Verlichak descubrió que ella nació el 25 de enero de 1923 y menciona como prueba el registro de inscripción que hizo su padre a 16 kilómetros de Buenos Aires.

Estudió filosofía y letras en Argentina e historia del arte en Francia. En Europa conoció al periodista colombiano Alberto Zalamea, quien se convertiría en su primer esposo y la traería al país en el año 1954.

Ella coincidió con el surgimiento de una nueva generación de artistas –entre los que figuraban Alejandro Obregón, Guillermo Wiedemann, Eduardo Ramírez Villamizar, Édgar Negret y Fernando Botero–, que la conservadora y provinciana sociedad colombiana de la época veía con desconfianza.

“Es ahí donde ella cumple un papel brillante”, asegura Medina. Se refiere a que ella se encargó de explicar la razón de ser de esas obras, a través de su labor crítica semanal en diferentes medios de comunicación.

Traba conquistó Bogotá con su crítica inteligente, rigurosa y radical, al punto de convertirse en un elemento central de la escena cultural de la época. En los años sesenta, fue ella quien estimuló la irrupción de una nueva generación de artistas y designó como sus miembros más talentosos a Luis Caballero, Carlos Rojas, Santiago Cárdenas, Pedro Alcántara Herrán y Beatriz González.

En esa misma década pone en funcionamiento el Museo de Arte Moderno de Bogotá, que tuvo su primera sede en la U.N. No es casualidad, pues la Universidad fue uno de los principales frentes por donde entró la modernidad.

Pero tras rechazar la ocupación militar de la Universidad en 1968, fue censurada y finalmente obligada a abandonar el país. Esto la llevó por Montevideo, Caracas, San Juan de Puerto Rico, Washington, Barcelona y París.

Su periplo por el mundo terminó en 1983, cuando se disponía a volver a Colombia invitada por el presidente Belisario Betancourt al Primer Encuentro de la Cultura Hispanoamericana en Bogotá. El avión en el que viajaba se estrelló saliendo de Madrid, España.

UNAL-682-2013

Tensiones y encuentros de ser mujer, artista y discapacitada.

 
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21 de Febrero del 2013
La investigación “Arte, discapacidad y género” visibiliza y explora las dualidades de este subgrupo poblacional poco explorado en Colombia. Es una invitación a seguir investigando.
“El interés surge de cuando visitaba diferentes regiones del país y me encontraba con mujeres discapacitadas que ejercían un papel como artistas. Ellas se cuestionaban muchas cosas sobre una posición ambivalente, que provoca tenciones: ser mujer y ser discapacitada”, afirma Merly Bocanegra, maestra en Artes Plásticas de la UN.
Por un lado, cuenta, todas las luchas de género a las que ellas se ha sumado promulgan una búsqueda de independencia, autogestión y libertad. Pero la discapacidad les origina una dependencia, a la que se ven abocadas sin tener otra salida, que las pone en una posición de vulnerabilidad, incluso en lo que atañe al cuidado de su propio cuerpo.
“Ellas no podían llegar a alcanzar sus ideales de la lucha de género por su condición de discapacidad, siempre iban a depender. Veían eso como posiciones encontradas”, precisa.
Cuando deciden ser artistas se separan del grupo de mujeres discapacitadas, pues, sin dejar de cuestionarse sobre esas mismas tensiones, toman conciencia de su papel social como constructoras de cultura. Pero se encuentran con que no están abiertos los escenarios para que ellas se realicen.
En ese sentido, asegura: “Salvo algunas participaciones en salones regionales, no vemos la intervención de las mujeres discapacitadas en el arte en Colombia. Entonces, deben dedicarse a la artesanía, a la decoración o al trabajo con fundaciones, que solo promueven el comercio de manufacturas”.
Pero esta confluencia entre ser mujer, discapacitada y artista también tiene unos puntos de encuentro. Uno de ellos es la ruptura con las vivencias emocionales y las sensibilidades humanas que se han erigido como normales.
“Por ejemplo, cuando se trabaja en psicología transpersonal o se hace psicogenealogía, nosotros tomamos lo masculino como lo fuerte, como la libertad, y lo femenino, como lo suave, como la protección. Pero, en ellas, esa vivencia emocional es compartida, pues muchas tienen hijos, pero son cuidadas por ellos mismos. Ellas deben asumir un rol, entre comillas, masculino y femenino, madre e hijo al mismo tiempo. Entonces, esas vivencias emocionales y esas sensibilidades que ellas trabajan no se rigen por los mismos valores de las demás personas”, detalla como primer punto la investigadora.
El segundo punto es la perspectiva de la muerte y del dolor. Todas las personas tienden a la discapacidad. Por vejez o por enfermedad, en algún momento tendrán una discapacidad, pero no lo tienen presente, evitan la muerte.
Los discapacitados no, el dolor y el enfrentamiento a la muerte se hace permanente y persistente día tras día. Esto produce un pensamiento frente al convivir.
“Cuando una mujer con discapacidad se piensa a través del arte, y entiende su condición abocada a la muerte y al dolor, nos presenta eso como su vida cotidiana. Nos provoca una reacción emocional que nos hace pensar en el otro y nos hace darnos cuenta de varias cosas: no podemos vivir el dolor del otro, pero sabemos qué es el dolor. Entonces reconocemos la humanidad en esa persona y, al hacerlo, lo convertimos en un interlocutor válido. O sea es alguien para nosotros, lo reconocemos como uno de los objetivos de las minorías para acceder a los derechos humanos y como ciudadanos”, asegura.
El tercer punto es sobre las prácticas de cuidado y educación en la primera infancia. Históricamente se le han atribuido a la mujer, pero, en muchas perspectivas de la lucha de género, esto se ha querido revaluar, incluyendo un papel más activo del hombre.
Pero, para las mujeres discapacitadas, las prácticas de cuidado son vitales y no podrían ser realizadas por cualquier persona, normalmente son las mamás quienes las hacen.
El último punto es la perspectiva del cuerpo como lugar donde lo público y lo privado tienen lugar. En sus obras, las artistas discapacitadas sacan del ámbito de lo privado toda su vivencia y la ponen en el de lo público. El cuerpo discapacitado se expresa a sí mismo, pero no se puede entender qué está expresando porque se lee desde las lógicas normales.
Así, Bocanegra asegura que, si se hace una apertura al proceso de construcción simbólica de una persona con discapacidad, se puede comprender qué es lo que está tratando de expresar.
Y concluye: “en últimas, lo que se busca es abrir un espacio, un lugar, un campo de investigación…, provocar a otras personas para que comiencen a investigar, porque hay muchos aspectos sobre los cuales indagar”.
En Colombia, hay una asociación de pintores con boca y pie que tiene mujeres. Pero el trabajo que allí hacen no está inserto en los círculos del arte y no promueve el pensamiento artístico, que es la expresión de la sensibilidad humana y no está construida, en estos momentos, a partir de la diferencia y la diversidad.
“La investigación pone de manifiesto que visibilizar esos procesos artísticos de las mujeres con discapacidad permite construir un concepto de paz en un estado dinámico, al reconocernos como seres humanos que dependemos del sistema, pero que también somos responsables de él. Los ideales modernos de la individualidad se están dejando de lado, porque necesitamos de un convivir en el que haya interdependencia y nos hagamos cargo del otro y que el otro se haga cargo de nosotros”, concluye.
Bocanegra presentará una ponencia sobre esta investigación en el coloquio internacional Arte, Emociones y Género, que se celebrará en la UN, los días 7, 8 y 9 de marzo, y al que también asistirán invitados de Francia.
Créditos: http://www.agenciadenoticias.unal.edu.co/inicio.html
"Sobre la maternidad", obra de Frida Kahlo.

“Sobre la maternidad”, obra de Frida Kahlo.

21 de Febrero del 2013

La investigación “Arte, discapacidad y género” visibiliza y explora las dualidades de este subgrupo poblacional poco explorado en Colombia. Es una invitación a seguir investigando.

“El interés surge de cuando visitaba diferentes regiones del país y me encontraba con mujeres discapacitadas que ejercían un papel como artistas. Ellas se cuestionaban muchas cosas sobre una posición ambivalente, que provoca tenciones: ser mujer y ser discapacitada”, afirma Merly Bocanegra, maestra en Artes Plásticas de la UN.

Por un lado, cuenta, todas las luchas de género a las que ellas se ha sumado promulgan una búsqueda de independencia, autogestión y libertad. Pero la discapacidad les origina una dependencia, a la que se ven abocadas sin tener otra salida, que las pone en una posición de vulnerabilidad, incluso en lo que atañe al cuidado de su propio cuerpo.

“Ellas no podían llegar a alcanzar sus ideales de la lucha de género por su condición de discapacidad, siempre iban a depender. Veían eso como posiciones encontradas”, precisa.

Cuando deciden ser artistas se separan del grupo de mujeres discapacitadas, pues, sin dejar de cuestionarse sobre esas mismas tensiones, toman conciencia de su papel social como constructoras de cultura. Pero se encuentran con que no están abiertos los escenarios para que ellas se realicen.

En ese sentido, asegura: “Salvo algunas participaciones en salones regionales, no vemos la intervención de las mujeres discapacitadas en el arte en Colombia. Entonces, deben dedicarse a la artesanía, a la decoración o al trabajo con fundaciones, que solo promueven el comercio de manufacturas”.

Pero esta confluencia entre ser mujer, discapacitada y artista también tiene unos puntos de encuentro. Uno de ellos es la ruptura con las vivencias emocionales y las sensibilidades humanas que se han erigido como normales.

“Por ejemplo, cuando se trabaja en psicología transpersonal o se hace psicogenealogía, nosotros tomamos lo masculino como lo fuerte, como la libertad, y lo femenino, como lo suave, como la protección. Pero, en ellas, esa vivencia emocional es compartida, pues muchas tienen hijos, pero son cuidadas por ellos mismos. Ellas deben asumir un rol, entre comillas, masculino y femenino, madre e hijo al mismo tiempo. Entonces, esas vivencias emocionales y esas sensibilidades que ellas trabajan no se rigen por los mismos valores de las demás personas”, detalla como primer punto la investigadora.

El segundo punto es la perspectiva de la muerte y del dolor. Todas las personas tienden a la discapacidad. Por vejez o por enfermedad, en algún momento tendrán una discapacidad, pero no lo tienen presente, evitan la muerte.

Los discapacitados no, el dolor y el enfrentamiento a la muerte se hace permanente y persistente día tras día. Esto produce un pensamiento frente al convivir.

“Cuando una mujer con discapacidad se piensa a través del arte, y entiende su condición abocada a la muerte y al dolor, nos presenta eso como su vida cotidiana. Nos provoca una reacción emocional que nos hace pensar en el otro y nos hace darnos cuenta de varias cosas: no podemos vivir el dolor del otro, pero sabemos qué es el dolor. Entonces reconocemos la humanidad en esa persona y, al hacerlo, lo convertimos en un interlocutor válido. O sea es alguien para nosotros, lo reconocemos como uno de los objetivos de las minorías para acceder a los derechos humanos y como ciudadanos”, asegura.

El tercer punto es sobre las prácticas de cuidado y educación en la primera infancia. Históricamente se le han atribuido a la mujer, pero, en muchas perspectivas de la lucha de género, esto se ha querido revaluar, incluyendo un papel más activo del hombre.

Pero, para las mujeres discapacitadas, las prácticas de cuidado son vitales y no podrían ser realizadas por cualquier persona, normalmente son las mamás quienes las hacen.

El último punto es la perspectiva del cuerpo como lugar donde lo público y lo privado tienen lugar. En sus obras, las artistas discapacitadas sacan del ámbito de lo privado toda su vivencia y la ponen en el de lo público. El cuerpo discapacitado se expresa a sí mismo, pero no se puede entender qué está expresando porque se lee desde las lógicas normales.

Así, Bocanegra asegura que, si se hace una apertura al proceso de construcción simbólica de una persona con discapacidad, se puede comprender qué es lo que está tratando de expresar.

Y concluye: “en últimas, lo que se busca es abrir un espacio, un lugar, un campo de investigación…, provocar a otras personas para que comiencen a investigar, porque hay muchos aspectos sobre los cuales indagar”.

En Colombia, hay una asociación de pintores con boca y pie que tiene mujeres. Pero el trabajo que allí hacen no está inserto en los círculos del arte y no promueve el pensamiento artístico, que es la expresión de la sensibilidad humana y no está construida, en estos momentos, a partir de la diferencia y la diversidad.

“La investigación pone de manifiesto que visibilizar esos procesos artísticos de las mujeres con discapacidad permite construir un concepto de paz en un estado dinámico, al reconocernos como seres humanos que dependemos del sistema, pero que también somos responsables de él. Los ideales modernos de la individualidad se están dejando de lado, porque necesitamos de un convivir en el que haya interdependencia y nos hagamos cargo del otro y que el otro se haga cargo de nosotros”, concluye.

Bocanegra presentará una ponencia sobre esta investigación en el coloquio internacional Arte, Emociones y Género, que se celebrará en la UN, los días 7, 8 y 9 de marzo, y al que también asistirán invitados de Francia.

Créditos: http://www.agenciadenoticias.unal.edu.co/inicio.html

Juegos mejoran comunicación en niños con discapacidad auditiva.

 
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Con estos objetos didácticos también se quiere promover el arte y la cultura a través de su uso flexible.
Con estos objetos didácticos también se quiere promover el arte y la cultura a través de su uso flexible.

6 de Noviembre del 2012

Un proyecto de Diseño Industrial de la Sede Palmira de la UN reforzará la memoria de estas personas a través de estímulos intelectuales. La interacción se facilitará a través de un lenguaje escrito.

Según el Departamento Administrativo Nacional de Estadística (DANE), en Colombia el 6,3% de la población vive en situación de discapacidad. Los estratos 2 y 3 son los que cuentan con la mayor población de estas personas, y el género femenino es el de mayor vulnerabilidad.

De esta gran cantidad de colombianos en situación de discapacidad, el 17,4% tiene limitaciones permanentes para oír, lo que representa la tercera discapacidad más frecuente después de la visual y la física motriz.

En este grupo de discapacidad, un gran porcentaje está relacionado con los niños entre los 10 y 14 años de edad con el 9,67%, seguido de personas entre los 15 y 19 años con un 8,62% y en tercer lugar el grupo de edad entre los 40 y 44 años con 6,94%.

Expertos en fonoaudiología señalan que el mayor inconveniente que presentan los niños con discapacidad auditiva profunda, es recordar la relación entre fonemas y grafemas para poder comunicarse socialmente a través de un lenguaje escrito con personas sin este tipo de discapacidad.

Es por ello que, a través de un proyecto de inclusión social, estudiantes de Diseño Industrial de la UN en Palmira, integrantes del grupo estudiantil “Laboratorio de artes aplicadas”, crearon una propuesta lúdica que facilite el aprendizaje del lenguaje escrito en niños en situación de discapacidad auditiva entre los 10 y 14 años, en donde también las personas oyentes puedan aprender el lenguaje de señas o dactilológico y promuevan así un ambiente social más incluyente.

“Decidimos trabajar con este grupo de niños porque, además de ser el grupo de edad con mayor población discapacitada en Palmira, también tienen una motricidad gruesa y fina más desarrollada que facilita realizar métodos que vayan a su ritmo de aprendizaje, que es más lento que el de un oyente”, señala Javier Andrés Gómez, estudiante de Diseño.

Generalmente, el vocabulario de un niño sordo de 14 años es similar al de un oyente de 8 años. Así, la calidad de corrección sintáctica y de descripción es similar a la de un oyente de 7 años.

En ese sentido, teniendo en cuenta los estímulos intelectuales de atención, sentido, organización, asociaciones, mnemotécnicas y espacialidad, los estudiantes aplicaron los conceptos en una propuesta lúdica que permite reforzar la memoria.

“Desarrollamos diferentes propuestas y bocetos de juegos didácticos que a través de códigos, asociaciones y repeticiones, facilitan la estructura gramatical del lenguaje escrito y así pueden comunicarse en un lenguaje común con otras personas (oyentes), utilizando divertidas imágenes y figuras”, dice Gómez.

Con este método de enseñanza especial, los docentes que quieran reforzar el lenguaje escrito en niños con discapacidad auditiva profunda entre los 10 y 14 años, así como los adultos responsables, podrán aprender a mejorar su lenguaje dactilológico.

Según Sebastián Rincón, estudiante de diseño e integrante del proyecto, con estos objetos didácticos también se quiere promover el arte y la cultura a través de su uso flexible, para darle un enfoque musical, utilizándolo como una herramienta metodológica para la enseñanza.

“Son sonidos que se realizan a través de la vibración, principios elementales de las ciencias básicas, con los que el niño, además puede reconocer texturas e imágenes que le facilitan relacionarse con su entorno”, afirma Rincón.

Aunque el proyecto se encuentra en desarrollo, los estudiantes esperan contar con el apoyo de instituciones que deseen contribuir al mejoramiento de la calidad de vida de los niños con esta discapacidad.

Para la profesora Eliana Castro, del Departamento de Diseño de la UN en Palmira, “este proyecto es significativo porque además de constituir una herramienta educativa para la inclusión, permite visibilizar la importancia y pertinencia del Diseño Industrial para responder con alternativas que aporten a la construcción de nuestro tejido social”.

Créditos:http://www.agenciadenoticias.unal.edu.co/inicio.html

En Palmira se premiarán pósters de investigación.

 
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22 de Octubre del 2012
Conservación, ciencia fundamental, impacto social, investigación innovadora y ciencia aplicada al sector productivo, son las categorías de esta premiación que se realizará el próximo 24 de octubre.
En el marco de la Semana de Ciencia, tecnología, arte y cultura, que se realizará del 23 al 26 de octubre en la Sede Palmira de la Universidad Nacional de Colombia, la Oficina de Extensión Universitaria premiará los mejores pósters de investigación que se expondrán durante la Quinta Jornada de Ciencia y Tecnología.
En total son cinco las categorías en los que los investigadores podrán inscribir sus productos comunicativos (solo en una de estas): póster de investigación en conservación, ciencia fundamental, ciencia aplicada al sector productivo, ciencia aplicada con impacto social y mejor póster de investigación innovadora.
Según Sandra Martínez, funcionaria de Extensión Universitaria, “en aras de reconocer el trabajo realizado por cada uno de los investigadores participantes en esta jornada, esta dependencia premiará los mejores pósters. Hasta el momento tenemos 45 y esperamos que sigan llegando a esta oficina”.
“Un comité científico de alta calidad será el encargado de seleccionar el ganador en cada categoría, el cual será premiado con una placa y una certificación de exaltación el último día de la jornada. Cada categoría tiene sus exigencias particulares”, afirma Martínez.
Para la categoría de mejor póster de investigación en conservación se evaluarán los trabajos de pregrado y posgrado que sobresalgan por el enfoque conservacionista y por sus propuestas en relación con la preservación del ambiente, la biodiversidad y la sostenibilidad.
Por su parte, las categorías de ciencia fundamental y ciencia aplicada en el sector productivo, se evaluarán los impactos de la investigación en áreas de las ciencias fundamentales de ingeniería como matemática, física, química y biología; así como trabajos que hayan desarrollado proyectos o productos que tengan impacto en el fortalecimiento del sector productivo del país o en alguna comunidad vulnerable.
Sandra Martínez explica que también se entregará premio al mejor póster de investigación innovadora, “a profesores, estudiantes de pregrado y posgrado con trabajos que hayan desarrollado proyectos o productos con un enfoque realmente innovador”.
Asimismo, a través de conferencias y de la exposición de estos, los asistentes podrán conocer resultados investigativos y su aplicabilidad, en áreas como ambiente y biodiversidad, biotecnología, ciencias agrarias y desarrollo rural, desarrollo organizacional, económico e industrial, energía e investigación fundamental.
“Vamos a tener investigaciones hechas por la UN en Palmira, pero también traeremos expertos de Brasil, España, Colombia y otros lugares del mundo, así como expertos del Panel Intergubernamental de Cambio Climático y del Instituto de Hidrología, Meteorología y Estudios Ambientales de Colombia, quienes nos mostrarán los nuevos enfoques de la investigación”, concluye el director de Investigación y Extensión de la sede.
Créditos:http://www.agenciadenoticias.unal.edu.co/inicio.html
La Oficina de Extensión Universitaria premiará los mejores pósters de investigación que se expondrán durante Quinta Jornada de Ciencia y Tecnología.

La Oficina de Extensión Universitaria premiará los mejores pósters de investigación que se expondrán durante Quinta Jornada de Ciencia y Tecnología.

22 de Octubre del 2012

Conservación, ciencia fundamental, impacto social, investigación innovadora y ciencia aplicada al sector productivo, son las categorías de esta premiación que se realizará el próximo 24 de octubre.

En el marco de la Semana de Ciencia, tecnología, arte y cultura, que se realizará del 23 al 26 de octubre en la Sede Palmira de la Universidad Nacional de Colombia, la Oficina de Extensión Universitaria premiará los mejores pósters de investigación que se expondrán durante la Quinta Jornada de Ciencia y Tecnología.

En total son cinco las categorías en los que los investigadores podrán inscribir sus productos comunicativos (solo en una de estas): póster de investigación en conservación, ciencia fundamental, ciencia aplicada al sector productivo, ciencia aplicada con impacto social y mejor póster de investigación innovadora.

Según Sandra Martínez, funcionaria de Extensión Universitaria, “en aras de reconocer el trabajo realizado por cada uno de los investigadores participantes en esta jornada, esta dependencia premiará los mejores pósters. Hasta el momento tenemos 45 y esperamos que sigan llegando a esta oficina”.

“Un comité científico de alta calidad será el encargado de seleccionar el ganador en cada categoría, el cual será premiado con una placa y una certificación de exaltación el último día de la jornada. Cada categoría tiene sus exigencias particulares”, afirma Martínez.

Para la categoría de mejor póster de investigación en conservación se evaluarán los trabajos de pregrado y posgrado que sobresalgan por el enfoque conservacionista y por sus propuestas en relación con la preservación del ambiente, la biodiversidad y la sostenibilidad.

Por su parte, las categorías de ciencia fundamental y ciencia aplicada en el sector productivo, se evaluarán los impactos de la investigación en áreas de las ciencias fundamentales de ingeniería como matemática, física, química y biología; así como trabajos que hayan desarrollado proyectos o productos que tengan impacto en el fortalecimiento del sector productivo del país o en alguna comunidad vulnerable.

Sandra Martínez explica que también se entregará premio al mejor póster de investigación innovadora, “a profesores, estudiantes de pregrado y posgrado con trabajos que hayan desarrollado proyectos o productos con un enfoque realmente innovador”.

Asimismo, a través de conferencias y de la exposición de estos, los asistentes podrán conocer resultados investigativos y su aplicabilidad, en áreas como ambiente y biodiversidad, biotecnología, ciencias agrarias y desarrollo rural, desarrollo organizacional, económico e industrial, energía e investigación fundamental.

“Vamos a tener investigaciones hechas por la UN en Palmira, pero también traeremos expertos de Brasil, España, Colombia y otros lugares del mundo, así como expertos del Panel Intergubernamental de Cambio Climático y del Instituto de Hidrología, Meteorología y Estudios Ambientales de Colombia, quienes nos mostrarán los nuevos enfoques de la investigación”, concluye el director de Investigación y Extensión de la sede.

Créditos:http://www.agenciadenoticias.unal.edu.co/inicio.html

En marcha, el XXXVI coloquio internacional de historia del arte.

 
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9 de Octubre del 2012
El XXXVI Coloquio Internacional de Historia del Arte: los estatutos de la imagen creación-manifestación-percepción, organizado por el Instituto de Investigaciones Estéticas (IIE) de la UNAM, fue puesto en marcha con la participación de 39 expertos de México, de América y Europa.
En el encuentro, Gottfried Boehm, filósofo e historiador del arte, y especialista de la Universität Basel Suiza, expuso, en la conferencia inaugural, que la imagen se constituye en un sistema que se funde en sí mismo antes de que el artista proceda a realizarlo.
Como parte de su exposición Showing versus saying. Elements of iconic criticism, refirió seis puntos que determinan las imágenes. En el primero, siempre se sustentan en sustratos materiales; en el segundo, delimitan un campo visible, en un continuo donde el observador experimenta el sentido de aquéllas.
En el tercero, establecen una diferencia que se activa como contraste visual, “lo que permite la doble visibilidad, por tanto, la diferencia icónica también las articula. En el cuarto, se requiere del ojo y de otras actividades sensoriales del cuerpo humano para realizar las potencialidades que radican en ellas, el mostrar puede entenderse sólo en la relación directa con este cuerpo”.
En quinto término, las imágenes son al mismo tiempo cosa y proceso, operan con el entramado de ambos aspectos y, por último, si se trata de la generación de sentido, entonces el tiempo se convierte en la categoría central. La simultaneidad como sucesión, es una distinción fundamental de las imágenes que se hacen evidentes si se recuerda que escritura y lenguaje se orientan en una secuencia lineal, explicó.
En la inauguración, en la sede del Museo Nacional de Arte (Munal), María Teresa Uriarte, coordinadora de Difusión Cultural de esta casa de estudios, señaló que el nombre del encuentro es un tema que con frecuencia, a lo largo de 80 años, ha mantenido la atención por comprender al arte en todas sus manifestaciones y vertientes.
En tanto, Estela Morales Campos, coordinadora de Humanidades de la UNAM, resaltó que el Coloquio de Historia del Arte es una reunión académica de gran presencia, tanto nacional como internacional.
Por su parte, Renato González Mello, titular del IIE, afirmó que con el foro, el Instituto pretende continuar con la construcción de su propia posición en uno de los debates “que cruzan a la historia del arte en el mundo, y cuya realidad reconocemos ahora en nuestros programas docentes, proyectos curatoriales y, desde luego, en las investigaciones”.
Los estudios sobre los estatutos de la imagen no constituyen un campo uniforme o libre de tensiones o de fisuras y, desde luego, nuestra intención está lejos de diluir esas zonas de inferencia que dan lugar a algunos de los procesos más interesantes en una variedad de disciplinas, que van de la historia del arte a la antropología, de la filosofía a la sociología o la neurología, detalló.
El rigor académico por las nuevas ideas y la tradición de crítica y debate, brindan al foro un lugar destacado a escala internacional. “Desde el punto de vista de la investigación, podemos aportar y contribuir a la innovación incesante que requiere la articulación crítica de la cultura mexicana”.
En su intervención, Miguel Fernández Félix, director del Munal, felicitó a los organizadores del encuentro que, consideró, arrojará nuevas líneas de interpretación a la disciplina.
Durante tres días de diálogo y reflexión, los conferencistas abordarán las características y circunstancias propias de la producción icónico-visual para entender mejor los modos en los que la imagen se materializa en el proceso, el camino que sigue, y los cambios que suceden desde su concepción hasta su manifestación.
Boletín UNAM-DGCS-620
Ciudad Universitaria.
El encuentro, organizado por el Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM, reúne a 39 ponentes de México, América y Europa.

El encuentro, organizado por el Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM, reúne a 39 ponentes de México, América y Europa.

9 de Octubre del 2012

El XXXVI Coloquio Internacional de Historia del Arte: los estatutos de la imagen creación-manifestación-percepción, organizado por el Instituto de Investigaciones Estéticas (IIE) de la UNAM, fue puesto en marcha con la participación de 39 expertos de México, de América y Europa.

En el encuentro, Gottfried Boehm, filósofo e historiador del arte, y especialista de la Universität Basel Suiza, expuso, en la conferencia inaugural, que la imagen se constituye en un sistema que se funde en sí mismo antes de que el artista proceda a realizarlo.

Como parte de su exposición Showing versus saying. Elements of iconic criticism, refirió seis puntos que determinan las imágenes. En el primero, siempre se sustentan en sustratos materiales; en el segundo, delimitan un campo visible, en un continuo donde el observador experimenta el sentido de aquéllas.

En el tercero, establecen una diferencia que se activa como contraste visual, “lo que permite la doble visibilidad, por tanto, la diferencia icónica también las articula. En el cuarto, se requiere del ojo y de otras actividades sensoriales del cuerpo humano para realizar las potencialidades que radican en ellas, el mostrar puede entenderse sólo en la relación directa con este cuerpo”.

En quinto término, las imágenes son al mismo tiempo cosa y proceso, operan con el entramado de ambos aspectos y, por último, si se trata de la generación de sentido, entonces el tiempo se convierte en la categoría central. La simultaneidad como sucesión, es una distinción fundamental de las imágenes que se hacen evidentes si se recuerda que escritura y lenguaje se orientan en una secuencia lineal, explicó.

En la inauguración, en la sede del Museo Nacional de Arte (Munal), María Teresa Uriarte, coordinadora de Difusión Cultural de esta casa de estudios, señaló que el nombre del encuentro es un tema que con frecuencia, a lo largo de 80 años, ha mantenido la atención por comprender al arte en todas sus manifestaciones y vertientes.

En tanto, Estela Morales Campos, coordinadora de Humanidades de la UNAM, resaltó que el Coloquio de Historia del Arte es una reunión académica de gran presencia, tanto nacional como internacional.

Por su parte, Renato González Mello, titular del IIE, afirmó que con el foro, el Instituto pretende continuar con la construcción de su propia posición en uno de los debates “que cruzan a la historia del arte en el mundo, y cuya realidad reconocemos ahora en nuestros programas docentes, proyectos curatoriales y, desde luego, en las investigaciones”.

Los estudios sobre los estatutos de la imagen no constituyen un campo uniforme o libre de tensiones o de fisuras y, desde luego, nuestra intención está lejos de diluir esas zonas de inferencia que dan lugar a algunos de los procesos más interesantes en una variedad de disciplinas, que van de la historia del arte a la antropología, de la filosofía a la sociología o la neurología, detalló.

El rigor académico por las nuevas ideas y la tradición de crítica y debate, brindan al foro un lugar destacado a escala internacional. “Desde el punto de vista de la investigación, podemos aportar y contribuir a la innovación incesante que requiere la articulación crítica de la cultura mexicana”.

En su intervención, Miguel Fernández Félix, director del Munal, felicitó a los organizadores del encuentro que, consideró, arrojará nuevas líneas de interpretación a la disciplina.

Durante tres días de diálogo y reflexión, los conferencistas abordarán las características y circunstancias propias de la producción icónico-visual para entender mejor los modos en los que la imagen se materializa en el proceso, el camino que sigue, y los cambios que suceden desde su concepción hasta su manifestación.

Boletín UNAM-DGCS-620

Ciudad Universitaria.